À la croisée du jeu, de la poésie et de la science-fiction, l’exposition Le Singe et l’Argile réunit neuf artistes internationaux autour du thème de la collaboration entre les espèces. À travers la fable et l’imaginaire, l’exposition fait dialoguer productions naturelles, humaines et technologiques pour esquisser de nouvelles formes d’alliances avec le vivant. Déployées dans une scénographie évoquant la forêt, ces œuvres hybrides — installations, films, sculptures et dispositifs sonores — participent à une conversation plus large autour de la transformation collective, convoquant les notions de compensation écologique ou encore d’éco-futurisme.

« Il faut s’entraider, c’est la loi de la nature »
La Fontaine, L’Âne et le Chien

Exposition collective avec : Tania CANDIANI (Mexique), AKI INOMATA (Japon), Bagus PANDEGA (Indonésie), Agnieszka POLSKA (Pologne), Lin May SAEED (Irak-Allemagne), SHIMABUKU (Japon), Jessica WARBOYS (Royaume-Uni), Trevor YEUNG (Hong Kong), Robert ZHAO RENHUI (Singapour).

Commissariat : Emilie Villez
Scénographie : Atelier CRAFT
Graphisme : Théo David Gehin

Pour mieux cohabiter au sein d’un monde « plus qu’humain »¹, les êtres humains apprennent à redéfinir leur place dans l’écosystème. Nourris par les débats théoriques et les expériences concrètes, les artistes contemporains se placent aujourd’hui moins en conquérants de la nature, qu’en collaborateurs.

A l’image du titre qui incarne une interaction entre l’animal et le minéral, l’exposition « Le Singe et l’Argile » est traversée par la notion d’interdépendance des espèces, et suit les courants de pensées écologiques qui décentrent la place de l’humain. Défiant l’idée d’exception et de domination de l’humain sur les espèces non-humaines, le terme « plus qu’humain » (traduction du terme « more-than-human ») est en effet utilisé en sciences sociales et humaines pour synthétiser cette rupture avec une vision hiérarchique des espèces.

Cet enchevêtrement —animal, végétal, minéral, atmosphé­rique— décrit un réseau complexe de relations, où une entité n’est jamais isolée, où toute action se répercute à travers une multitude d’êtres interconnectés. L’évolution même du terme « écologie » le révèle : les scientifiques définissent au départ le terme comme l’étude des interactions des êtres vivants entre eux et avec leur milieu. Peu à peu, l’écologie devient une pré­occupation de conservation des territoires et des espèces, jusqu’à devenir proprement politique dans les années 1970.

Influencés par les positions avant-gardistes du Land art, le militantisme environnemental et la pensée holistique extra-occidentale, les artistes contemporains considèrent des relations plus horizontales, allant jusqu’à envisager de co-créer avec le non-humain. Mais les relations de collaboration sont complexes, parfois aléatoires, ou bien frôlent l’instrumentalisation. Comment être certain de leur réciprocité ?

L’exposition explore ces questions, à travers des pratiques artistiques proposant une vision renouvelée, voire ludique, des modes de production et de relation.

Les œuvres présentées défient les représentations de la nature. Sans apporter de solutions, elles sont des tentatives de penser autrement. Pour réparer ce lien perdu, les artistes réalisent un travail d’imprégnation et d’écoute, posent la question de l’adresse (Tania Candiani, Shimabuku), et de l’aléatoire dans le processus de co-création (AKI INOMATA, Jessica Warboys, Trevor Yeung). S’efforçant de lutter contre le fatalisme, l’exposition met en avant des pratiques qui développent une imagination politique et écologique : certains proposent des récits alternatifs (Robert Zhao Renhui, Lin May Saeed) et d’autres des fictions spéculatives par le biais d’outils techno­logiques (Agnieszka Polska, Bagus Pandega).

¹ Ce terme apparaît pour la première fois dans l’ouvrage de David Abram “The Spell of the Sensuous: Perception and Language in a More-Than-Human World” (1997). Traduction française : “Comment la terre s’est tue. Pour une écologie des sens”, Ed. La Découverte, 2013.

Visuels de gauche à droite – © Aurélien Mole
First Concert video et Percutor 2020 – Tania Candiani. Courtesy de Tania Candiani Studio
River Painting, Charente, 2026 – Jessica Warboys. Courtesy de l’artiste et de la Galerie Gaudel de Stampa
Earth to Earth (Terres-de-Haute-Charente), 2026 – Trevor Yeung. Courtesy de l’artiste et de la Galerie Joseph Allen

Dans le prolongement de l’exposition Le Singe et l’Argile, dédiée aux relations entre les espèces, la Fondation a invité le studio BehaghelFoiny à concevoir un espace hybride, le “Planctonarium”. Confortablement équipé, il invite à la lecture, à la détente, mais aussi à participer à des ateliers de création artistique.

Hybride, cet espace immersif présente le travail du jeune designer Antoine Behaghel et sa recherche autour des “Artifices Chlorophylliens”, nous invitant à plonger dans le monde microscopique de l’efflorescence phytoplanctonique. Ce phénomène biologique se produit chaque printemps : les phytoplanctons photosynthétiques se multiplient abondamment dans l’Océan, re-générant l’atmosphère que nous respirons, grâce à la photosynthèse opérée par les micro-organismes.

Au sein de ce dispositif, les silhouettes des phytoplanctons sont réinterprétées et agrandies pour s’incarner dans des objets lévitant dans une atmosphère chromatique, nous immergeant dans la “colonne d’eau” de l’Océan où se confondent le dessous et le dessus, le proche et le lointain.

L’exposition s’inspire de “l’efflorescence phytoplanctonique” et présente un ensemble de pièces ornementales réalisés par le designer au moyen de diverses techniques artisanales : porcelaine, tapisserie, papier, impression 3D, etc.

Sous les suspensions lumineuses en lévitation, la “Table des microscopistes” invite à découvrir des phytoplanctons au microscope et à prendre part à des ateliers de pratique artistique.

Le designer Antoine Behaghel, lauréat en 2024 du Prix COAL Art et Environnement – étudiant, bénéficiera d’une résidence de production à la Fondation à l’automne 2026. Poursuivant sa recherche avec la réserve naturelle du marais d’Yves (Charentes Maritimes), il viendra réaliser de nouvelles pièces en verre au sein des ateliers de la Fondation. Celles-ci seront intégrées dans l’exposition une fois produites.

Il proposera enfin un atelier de pratique artistique destiné au jeune public “Ordinaire Extra!” en fin d’année.